Trouver un style visuel pour votre jeu : Conseils pour les débutants

Un guide pour débutants sur les styles artistiques de jeux, les cas d'utilisation suggérés et cinq habitudes pour maintenir l'apparence cohérente de votre jeu.

Vous savez déjà quel est le style d'un jeu, même si vous n'avez jamais eu besoin de le nommer. On peut distinguer un jeu aux allures de blocs rétro d'un dessin animé fluide ou d'un monde 3D de type film en un coup d'œil. Lorsque vous commencez à créer votre propre jeu, cet instinct devient une décision : à quoi votre jeu doit-il ressembler ?

La réponse courte est qu'il n'y a pas de style unique le meilleur – cela dépend de votre idée, de vos ressources et de ce que vous pensez qui résonnera auprès de votre joueur idéal. Ce qui compte le plus, c'est de choisir un style qui correspond à votre idée et que vous pouvez maintenir de la première à la dernière scène. Ce guide passe en revue les styles d'art de jeu les plus courants, ce que chacun est bon à faire, et propose quelques habitudes simples pour vous aider à construire un jeu avec une esthétique unique et cohérente plutôt que plusieurs assemblées.

Pourquoi la cohérence bat le détail

Il est tentant de penser que les meilleurs jeux sont ceux qui ont le plus de détails. Mais les détails en eux-mêmes ne font pas qu'un jeu ait l'air fini. Ce qui est sans doute plus important, c'est de s'assurer que chaque élément visuel semble appartenir au même ensemble.

Quand des parties d'un jeu ne correspondent pas, les joueurs le remarquent. L'art pixelisé a une règle bien connue à ce sujet : ne pas mélanger des dessins réalisés à différentes résolutions, car combiner des sprites (les images 2D utilisées pour les personnages et les objets) dessinés à des tailles différentes peut donner un aspect amateur et déroutant à un jeu. Cette règle est spécifique à l'art pixel, mais l'idée derrière elle fonctionne pour n'importe quel style. Un jeu avec des pièces mal assorties peut sembler inachevé, même lorsque chaque pièce est bonne en soi.

Donc, en parcourant les styles ci-dessous, ne demandez pas seulement « Lequel préfère-je ? » Demandez aussi : «Lequel puis-je garder ?»

Un aperçu rapide des styles d'art de jeu courants

L'art pixel est construit à partir d'une grille visible de minuscules carrés.

L'art pixel crée des images à partir d'une grille de blocs, traditionnellement dans un ensemble limité de couleurs. La technique est née de la nécessité : les premiers développeurs de jeux disposaient de ressources limitées, ils ont donc tiré le meilleur parti d'une petite grille et d'une poignée de couleurs.

Aujourd'hui, le pixel art est un choix délibéré. Certains jeux l'utilisent pour évoquer la nostalgie, mais cela n'a pas besoin d'avoir l'air rétro – l'art pixel moderne peut utiliser une gamme de couleurs beaucoup plus large que les 16 ou 256 dont disposaient les premiers jeux.

Surveillance de la cohérence : choisissez une résolution et tenez-vous-y. Si un caractère semble avoir été dessiné avec des carrés plus grands ou plus petits que tout ce qui l'entoure, tout l'écran commence à sembler étrange.

L'art low-poly transforme des formes 3D simples en un style.

Dans les jeux 3D, les objets sont construits à partir de surfaces planes appelées polygones. L'art low-poly maintient le nombre de ces surfaces faible, donc les formes paraissent simples et carrées. Comme l'art pixelisé, cela a commencé comme un produit des limites matérielles : Les jeux 3D sur consoles du milieu des années 1990 devaient utiliser un nombre de polygones faible en raison de la puissance de traitement et de la mémoire limitées.

Certaines personnes trouvent ce look daté, mais il peut toujours être un choix fort, selon ce que votre public attend. Il est également généralement plus facile de faire paraître bon l'art low-poly qu'un style 3D réaliste, bien que cela demande encore plus de travail que l'art 2D.

Attention à la cohérence: maintenez le même niveau de simplification dans votre monde. Un seul objet très détaillé dans une scène low-poly ressortira pour les mauvaises raisons.

L'art cel-shading (toon) fait ressembler le 3D à un dessin animé.

Le cel shading, également appelé toon shading, prend des modèles 3D et leur donne un aspect plat et de dessin animé. Au lieu de dégradés doux et d'ombres subtiles, il utilise des couleurs unies et plates, souvent avec des contours audacieux, une palette limitée et des transitions nettes entre la lumière et l'ombre.

Le style est souvent utilisé pour créer un sentiment de fantaisie, de nostalgie ou d'évasion, et il peut fonctionner mieux sur du matériel moins puissant qu'un style 3D réaliste.

Surveillance de la cohérence: les lignes et les règles d'ombre doivent être les mêmes pour chaque personnage et objet. Si certaines choses ont des contours épais et d'autres n'en ont pas, l'effet de dessin animé est brisé.

L'art dessiné à la main apporte un savoir-faire visible à l'écran.

Les jeux dessinés à la main utilisent un art créé traditionnellement sur papier ou dessiné numériquement, et certains jeux utilisent même des modèles en argile faits à la main animés en stop-motion. L'approche artisanale peut ajouter du charme et une atmosphère unique, ce qui en fait un excellent choix pour les jeux axés sur l'histoire ou les jeux qui visent une connexion émotionnelle. Parce qu'il est plus impressionniste, l'art dessiné à la main peut également donner à un jeu un sentiment d'intemporalité ; les styles réalistes ont tendance à se dater plus rapidement car ils sont mesurés par rapport à la ligne de base en constante évolution de la vie réelle et aux progrès de la technologie graphique.

Surveillance de la cohérence: L'épaisseur des lignes, la texture du pinceau et la technique de coloration sont la signature d'un jeu dessiné à la main. Décidez ce qu'ils sont tôt et gardez-les stables.

L'art vectoriel utilise des formes nettes qui peuvent être mises à l'échelle à n'importe quelle taille.

Là où l'art pixel est fait à partir d'une grille, l'art vectoriel est fait à partir de formes définies mathématiquement, ce qui permet de l'agrandir ou de le réduire sans perdre en qualité. Cette flexibilité aide un jeu à paraître net sur différentes tailles d'écran. L'art vectoriel maintient également les tailles de fichiers petites, ce qui est l'une des raisons de son choix populaire pour les jeux mobiles légers.

Surveillance de la cohérence: L'art vectoriel est propre par défaut, il peut donc devenir générique. Choisissez une approche cohérente pour les contours, les coins et l'ombrage afin que le style vous ressemble.

Le 3D réaliste vise à ressembler au monde réel.

L'art 3D réaliste tente de créer des personnages et des lieux qui ressemblent étroitement à la vie réelle, et il a traditionnellement été le plus courant dans les jeux à gros budget. Il peut être immersif et visuellement frappant, mais c'est aussi le style le plus exigeant de cette liste. C'est gourmand en ressources, nécessite souvent un PC ou une console haut de gamme pour y jouer, et prend tellement de temps et de travail que ce n'est généralement pas une option pour les créateurs solo. Il peut également se dater rapidement à mesure que la technologie s'améliore.

Attention à la cohérence : le réalisme fixe une barre élevée partout. Si les personnages semblent réalistes mais que les arbres ne le sont pas, les joueurs sentiront le décalage.

L'art monochrome ramène la couleur aux bases.

Certains jeux utilisent un ensemble de couleurs très limité – le plus souvent juste le noir et le blanc. Ce n'est pas un style en soi, mais plutôt une limite que vous pouvez appliquer à de nombreux styles, du minimalisme austère aux looks d'animation vintage. Le grand défi est de créer de la profondeur sans couleur : des tons plus sombres pour les ombres, des tons plus clairs pour les reflets, et une utilisation soignée de l'espace vide pour définir les formes.

Surveillance de la cohérence: Avec si peu de couleurs, le contraste fait la majeure partie du travail. Assurez-vous que les éléments importants – le joueur, les ennemis, les objets à collecter – se distinguent toujours de l'arrière-plan.

Cinq habitudes qui maintiennent votre style cohérent

Choisir un style est la première étape. Maintenir la constance pendant tout le match, c'est là que se fait la majeure partie du travail. Ces habitudes s'appliquent quel que soit le style que vous choisissez.

1. Fixez vos limites avant de commencer.

Décider de quelques limites dès le départ donne à chaque nouvelle œuvre d'art quelque chose à égaler. Pour l'art pixel, cela signifie choisir une résolution de base – la taille de la toile sur laquelle tout est dessiné – avant de commencer quoi que ce soit. Pour la couleur, l'une des approches les plus simples est de choisir une palette fixe et d'utiliser uniquement ces couleurs. Une fois la palette définie, vous n'avez plus à y penser : chaque nouvelle œuvre d'art s'y intègre automatiquement.

Si vous ne voulez pas une palette stricte, gardez quand même vos couleurs les plus utilisées à portée de main et réutilisez-les. Dans les jeux sans limites de couleurs, une erreur courante est que certaines pièces n'utilisent pas les couleurs qu'elles pourraient partager avec le reste du jeu.

2. Choisissez un langage de forme.

Les formes peuvent suggérer la personnalité d'un personnage au premier coup d'œil, avant qu'un joueur n'en perçoive aucun détail. Dans le design de personnages, les cercles ont tendance à paraître amicaux et accessibles, les carrés semblent solides et fiables, et les triangles paraissent dangereux ou dynamiques. Le même personnage peut être lu comme amical, robuste ou menaçant simplement en changeant la forme dominante du design.

Pour votre jeu, cela pourrait signifier des formes rondes et douces pour les personnages utiles et des formes tranchantes et angulaires pour les ennemis. Une fois que vous avez choisi, appliquez les mêmes règles partout afin que les joueurs apprennent à lire votre monde en un coup d'œil.

3. Tester la silhouette.

Une silhouette est le contour solide d'un personnage ou d'un objet, sans aucune couleur ni détail. Un design de personnage fort et distinctif doit être lisible à partir de son contour seul, du moins dans une certaine mesure. Des caractéristiques distinctives comme un chapeau, un accessoire ou une façon de se tenir peuvent rendre un personnage reconnaissable même sous la forme d'une simple silhouette.

Essayez-le vous-même : imaginez votre personnage principal comme une forme noire solide. Peux-tu toujours dire qui c'est ? Sinon, envisagez de leur donner une fonctionnalité qui fait ressortir leur plan.

4. Donnez à chaque partie de votre jeu ses propres règles.

Votre jeu comporte plus d'un niveau – le monde jouable, les menus, la carte, l'affichage du score ou de la santé. Il est utile de les considérer comme des « mondes » séparés. Il est normal qu'ils soient différents les uns des autres, tant que chacun suit ses propres règles et que les styles ne se mélangent pas d'un monde à l'autre.

Par exemple, votre monde de jeu pourrait être en pixel art tandis que vos menus utilisent un art lisse et haute résolution, et cela peut être superbe. Ce qui semble étrange, c'est l'art d'un de ces mondes qui apparaît dans l'autre – comme une icône de pixel art au milieu de vos menus lisses.

5. Écrivez vos règles.

Les studios de jeux collectent leurs règles visuelles dans un document souvent appelé bible artistique, et ils l'utilisent pour maintenir la cohérence du style artistique – surtout lorsque plus de personnes commencent à contribuer à l'art. Tu n'as pas besoin de quelque chose d'aussi formel. Une seule page suffit : votre style, votre palette de couleurs, vos règles de forme et quelques images de référence qui capturent le sentiment que vous souhaitez.

Avoir vos règles au même endroit facilite chaque décision future et vous donne quelque chose de concret pour vérifier les nouvelles œuvres d'art. Cela facilite également la description de votre style de la même manière à chaque fois.

Adapter votre style à votre jeu

Quelques questions peuvent vous aider à affiner vos options :

• Qu'est-ce que les joueurs devraient ressentir ? Différents styles conviennent à différentes humeurs. L'art dessiné à la main, par exemple, est souvent choisi pour les jeux axés sur l'histoire et l'émotion.
• Qu'attendent les joueurs de ce genre de jeu ? Certains types de jeux se prêtent à certains styles, et leurs publics peuvent s'attendre à un certain rendu.
• Combien de temps avez-vous ? L'art réaliste demande beaucoup de temps et de travail, c'est pourquoi ce n'est généralement pas l'option la plus pratique pour les créateurs solo. Un style que vous pouvez terminer est meilleur qu'un style que vous ne pouvez que commencer.
• Comment les gens vont-ils y jouer? Si votre jeu est destiné aux téléphones ou aux appareils moins puissants, des styles plus légers comme l'art vectoriel ou cel-shading peuvent mieux fonctionner que le 3D réaliste.

Par-dessus tout, pensez à la manière dont l'art et le gameplay fonctionnent ensemble. Le style artistique et le gameplay doivent être considérés comme une seule idée, pas comme deux décisions séparées.

Votre style, vos règles

Les styles de jeu les plus mémorables ne sont pas toujours les plus détaillés. Ce sont ceux où chaque pièce appartient clairement. Choisissez un style qui correspond à votre idée, établissez quelques règles simples et tenez-vous-y. Les joueurs ne pourront peut-être pas expliquer pourquoi votre jeu semble soigné, mais ils remarqueront que c'est le cas.

Découvrez plus dans notre série de conseils pour débutants absolus.